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Joan Brossa

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Sutil, irónico, irreverente, iconoclasta, crítico, satírico, radical, incómodo y, por encima de todo, sorprendente. Son muchos los adjetivos que pueden calificar a Joan Brossa(Barcelona, 1919-1998), un creador que tocó géneros como la literatura, el cine, el teatro, la magia, la performance, el transformismo o el estriptis. Aunque a Brossa se le identifica como poeta creador de un particular lenguaje en el que dota a sus versos de una rima plástica, casi fotográfica, en la que las palabras se mudan en objetos que dialogan o se enfrentan. Los 50.000 objetos y documentos que dejó a su muerte a la Fundación Joan Brossa se depositaron en 2011 en el MACBA. Tras la limpieza y clasificación de este ingente material, el Macba ofrece hasta el 25 de febrero una relectura de este creador inclasificable, en Poesía Brossa, donde se exponen 1.500 objetos 850 de los cuales son obras.

'Eclipse', de Joan Brossa (1988)
‘Eclipse’, de Joan Brossa (1988)

Sus obras no dejan indiferente e invitan a implicarse en el proceso de comunicación que propone. Como si fuera un prestidigitador, juega mostrando un objeto o suma de objetos que adquieren nuevos significados: una carta de naipes franqueada con un sello, una azada que ha cosechado medallas militares, un grillete con uno de sus extremos convertido en un brazalete de brillantes, un ciclista que pedalea por el filo de un cuchillo, una balanza en difícil equilibrio: Democracia y dictadura, un huevo frito que cubre en parte una Ostia sagrada que llamó Eclipse o la enorme cucaracha que se pasea sobre un billete de tren emitido el 18 de julio de 1970, que no necesita título para saber cuál es el objetivo de la crítica. Imágenes, a simple vista, triviales, pero que esconden contundentes críticas políticas y sociales.

'Tinter abocat', de Joan Brossa (1969)
‘Tinter abocat’, de Joan Brossa (1969)FUNDACIÓ JOAN BROSSA

Obra de Joan Brossa referente al 18 de julio.
Obra de Joan Brossa referente al 18 de julio.MARTÍ GASULL

La exposición recorre la trayectoria y la formación de su particular lenguaje. Sus influencias y lecturas desde La Codorniz hasta el Romancero Gitano de Lorca, “un libro de 1937 que llevó siempre encima durante su participación en el ejército republicano”, destacó Pedro G Romero, comisario junto con Teresa Grandas. Su primer escrito: Infiltraciónpublicado en 1938 en el boletín Combate de la 30 división. En la primera postguerra destaca la amistad y la influencia mutua con Joan Miró, del que tomó partido frente a Dalí o compañeros de viaje como Antoni Tàpies y Pere Portabella, Carles Santos y Mestres Quadreny y los miembros de Dau al Set que le ayudaron a consolidar el “yo artista”. De este momento son sus Suites y sus Poemas habitables, ejemplos de poesía sutil y delicada; intervenciones mínimas, que realizó a finales de los sesenta. Su poema Lluviason hojas en blanco mojadas por las gotas de agua.

P DE POEMA… Y DE POLÍTICA

“Para Brossa no existía diferencia entre su acción política y su poesía”, según el comisario Pedro G. Romero, que destacó que el uso del castellano es siempre para indicar el idioma del vencedor frente al de los vencidos. Brossa fue un activista antifranquista que secundó, desde su posición de artista, la huelga de tranvías en 1951, el encierro de intelectuales en Montserrat en 1970, impulsó un itinerario antiturístico en Barcelona en 1979 visitando locales de estriptis, magia o la perrera municipal.

“Las referencias a la actualidad política y social son casi pornográficas”, aseguró Romero, que resaltó un poema que Brossa leyó en 1970 en la Primera Fiesta de la Poesía Catalana en el que loaba el papel de la policía catalana.

En Otros itinerarios se revisa la poética brossiana a través del transformismo y de lenguajes no convencionalmente artísticos pero que incluyó en su gramática como el striptease o la magia. “Para Brossa no existía diferencia entre su acción política y su poesía”, resaltó el comisario, que destacó que el uso del castellano es siempre para indicar el idioma del vencedor frente al catalán, del vencido. Brossa fue un activista antifranquista que secundó, desde su posición de artista la huelga de tranvías de 1951, el encierro de intelectuales de Montserrat de 1970 o impulsó un itinerario antiturístico en Barcelona en 1979 visitando locales de estriptis o el Ingenio, donde él se proveía de objetos para hacer magia o la perrera municipal. “Las referencias a la actualidad política y social son pornográficas”, aseguró Romero, destacando un poema que leyó en 1970 en la Primera Fiesta de la Poesía Catalana en el que loaba el papel de la policía catalana.

La sala más espectacular es la que recrea las exposiciones que se celebraron en 1988 y 1989 con sus obras más conocidas en Munich, Barcelona y Madrid. La exposición termina con un diálogo con otros artistas que trabajaron la forma y el texto de forma parecida como el belga Marcel Mariën, el escocés Ian Hamilton y el chileno Nicanor Parra que, coincidieron en mostrar un lenguaje poético y antipoético similar. La muestra, una deuda del Macba con el artista, se inaugura a las puertas de la celebración en 2019 del centenario de su nacimiento en el que reeditará toda su poesía, tal y como anunció el presidente de la Fundación del artista, Vicenç Altaio. “Para acercarlo a las nuevas  generaciones”.

Tras Barcelona, la exposición se verá en el Artium de Vitoria y luego, con apoyo de Acción Cultural Española y el Instituto Ramon Llull viajará por diversas ciudades latinoamericanas.

L’ATELIER DE JOAN BROSA

 

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Mariano Fortuny. Gran diseñador, época modernista y espíritu ecléctico.

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Disseny Hub Barcelona dedica una exposición a este artista versátil al que en Venecia llamaban el pequeño Leonardo. Pintor, grabador, escenógrafo, inventor, diseñador textil, modisto, fotógrafo, luminotécnico y empresario, Mariano Fortuny supo alcanzar la belleza a través del arte. Sus obras evocan los mercados orientales, los palacios, los velos, un harén, los baños árabes, la cueva de Ali Babá, los oasis y las caravanas que atraviesan el desierto.

Fortuny (Granada, 1871- Venecia, 1949) fue hijo del célebre pintor de Reus, con quien se le suele confundir por compartir nombre y apellido. El padre es el autor de La batalla de Tetuán, y el hijo, el creador del famoso vestido Delphos, con el que en 1909 liberó de corsés a las mujeres.

La exposición, comisariada por Claudio Zulian, es más austera que las que le han dedicado el Museo de los Tejidos de Lyón, el Museo del Traje de Madrid y La Pedrera, pero es ambiciosa. Su objetivo es ser un referente en el discurso de las influencias culturales entre Oriente y Occidente.

Para Zulian, las creaciones de Fortuny simbolizan la riqueza de los «contagios» entre distintas culturas. «Creó identidades, sintió el aire de su tiempo», considera el comisario, que también aporta un trabajo documental sobre la obra de Fortuny, que TVE estrenó el pasado viernes y que desde hoy se puede visionar en la galería Disseny Hub.

La vida del diseñador, que pasó gran parte de sus días entre París y Venecia, es digna de una novela. Fue educado en un ambiente lujoso, erudito y aristocrático. Sus diseños irradian una elegante simplicidad y una perfeccionista calidad, públicamente alabada por Hubert de Givenchy, Issey Miyake y Karl Lagerfeld.

La teoría del conocimiento y el despertar de las ideas. Platón

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A partir de un anuncio de telefónica: El conocimiento cuanto más se comparte más ideas despierta. Y.. despertando ideas se despierta el futuro.
Reconocemos a Platón en la teoría del conocimiento y la reminiscencia según dice:
Realidad es que el ser humano no conoce las cosas, sino que las reconoce.
“Discere est reminisci” la ciencia no se adquiere se reproduce y se recuerda.
Según la teoría que Platón expone en “Fedro”,
El alma existe antes de encarnarse en un cuerpo, y conocía ya todas las Ideas . Lo que ocurre es que al nacer olvida todo lo que sabe, y necesita que el conocimiento sensible sirva como provocación a ese conocimiento perdido. Es este uno de los pocos momentos en los que la sensación recibe una valoración positiva: sirve como ocasión para desencadenar todo un proceso imparable de conocimiento que nos llevará de nuevo hasta las Ideas.
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El amor como vía de acceso a las ideas: “Amor Platónico”
El amor es considerado por Platón una vía privilegiada de acceso al mundo de las Ideas. Sería una especia de “dialéctica emocional”, en la medida en que, por medio del amor, también nos vemos involucrados (de un modo emocional o experimental) en un proceso abstractivo similar al que ejecuta la dialéctica.
El amor en su expresión más alta, consiste para Platón en una idealización o “desmaterializacion” del objeto amado: lo que comienza como una mera atracción física (en el mundo sensible) puede terminar llevándonos hasta la Idea suprema. El proceso podría ser descrito del siguiente modo:
se comienza amando un cuerpo bello, de ahí se paz al amor por la belleza del alma de la persona amada. A partir de aquí se ama todas las almas bellas, hasta llegar a la Idea de la belleza y de ésta a la Idea Suprema. El amor sería una forma de ir ascendiendo por diversos grados o escalones, desde lo concreto hasta lo más abstracto, pudiéndose llegar incluso a la Idea del Bien. Así queda una vía emocional y eperiencial, un modo de acceso a las Ideas para aquellos que quizás no pueden conocerlas de un modo intelectual.

Platón explica con mas claridad este problema cuando se refiere al arte, nos dice que el artista representa una tercera version del hombre. Según Platón, el hombre ideal es la meta que todos los humanos tratan de alcanzar, luego existen los hombres particulares que son copias del ideal y por último esta el artista que imita una copia.

Solo puede captar al hombre ideal el que posee el pensamiento sobre el hombre osea el objeto de la inteligencia a partir de una imagen.

Por ejemplo, en la Geometria se parte de una hipótesis y se continua avanzando mediante un diagrama visible para llegar a una conclusión. El geómetra supone una figura geometrica partir de graficos y figuras, procurando distinguir objetos que solo se pueden ver con la inteligencia.

Mediante el razonamiento abstracto y habiendo entendido los principios, la mente puede sacar conclusiones sin contar con la imagenes visibles.
Platón supone que el conocimiento de lo real se puede alcanzar de un modo absoluto, pero no sucede lo mismocon las cosas del mundo sensible, que para el es ilusorio y esta sujeto al cambio. Razón por la que no pueden ser objeto de conocimiento científico.
Porque el objeto de conocimiento debe ser inmodificable, estable y permanente como para lograr su definición con claridad.
El conocimiento se logra mediante juicios sobre conceptos universales y no sobre particulares y solo pueden ser verdaderos los juicios sobre lo permanente y estable.
Ni la percepción sensible ni la creencia verdadera pueden ser objeto de conocimiento.
http://www.boulesis.com/didactica/apuntes/?a=185&p=3

EL CONOCIMIENTO DE LAS COSAS SENSIBLES

Es denominado por Platón “opinión” (doxa), ya que de lo que no posee verdadera entidad, tampoco puede haber auténtico conocimiento sino mera opinión. A su vez la opinion tiene dos modos:

La imaginación (Eikasia)

Mediante la imaginación se aprenden las imagenes de las cosas, sus sombras y reflejos, siendo el grado más bajo de la escala del conocimiento. No podemos imaginar un objeto dotadode menos consistencia que la fugacidad extrema de una sombra- Posiblemente Platón este pensando en actividades como la poesia, la pintura o la retórica. Efectivamente tanto el orador como el poéta o el pintor, estan solo interesados en una mera imitación verosímil de la realidad y para esto les basta con la producción de imágenes.

La creencia (pistis)

Aqui hay un grado de conocimiento superior al anterior ya que versa ya sobre un objeto mismo y no sobre una imágen de este. Las diversas artes productoras como por ejemplo la carpinteria, encajarian aqui perfectamente: el carpintero sabe más en relación con la mesa que el pintor que la representa en un lienzo por que a este le basta con una mera apariencia verosímil de la mesa, mientras que el carpintero ha de fabricar una mesa “real”.

EL CONOCIMIENTO DE LO INTELIGIBLE
El saber auténtico (en griego Episteme) tiene como objeto la realidad inteligible, el ser perfecto e inmutable: las ideas. También aqui hay dos grados:

Conocimiento discursivo (diánoia)

Como ejemplo del grado inferior Platón piensa en la aritmética o en la geometría. En ambas se parte siempre de hipótesis o presuposiciones y se necesita (piensa Platón) de símbolos sensibles. La matemática procede según un tipo de razonamiento que podriamos denominar “hipotético-deductivo”, es decir, se va de la hipótesis a la conclusión mediante deducción.

Conocimiento o inteligencia pura (nous)

La superación de la diánoia se alcanza en la dialéctica considerada como la “culminación de todas las ciencias”. Sólo ella es capaz de cancelar el carácter meramente hipotético de los principios utilizados en las restantes disciplinas, al dar razón de ellos y justificarlos racionalmente. Para conseguirlo, la dialéctica tiene que remontarse a un principio no hipotético desde el que puedad deducir a manera de consecuencias todo lo demás. Es claro que este pricipio no hipotético, objeto de la dialéctica, no es otro que la idea del Bien. Mediante ella se alcanza el conocimiento de la estructura relacional de las ideas, y en último término, el conocimiento de la verdad suprema, condición (fundamento)de las propias ideas y, por tanto, también del mundo sensible: La idea del Bien.

Roser Capdevila. Llapis i … acció

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clickea el siguiente enlace para ver y leer toda la historia de Roser Capdevila, una gran ilustradora y creativa de fantasías con mucha imaginación.
http://www20.gencat.cat/docs/Palau_Robert/Serveis/Exposicions/Sala1/2013_sala1/2013_RoserCapdevila/opuscle_exposicio_ROSER_CAPDEVILA_web.pdf

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La historia del claqué. TAP

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CLAQUÉ
Origen

El tap se origina a partir de la fusión de las danzas de zuecos de Irlanda, el norte de Inglaterra y Escocia, combinado con los bailes practicados por los afroamericanos, como la juba, entre el siglo XVII y el XVIII.

En 1739, se prohíbe a los esclavos negros que utilicen instrumentos de percusión. Esto les motivó a realizar la percusión con los pies y las manos. Bailado en un principio por los esclavos, se pulió en los Estados Unidos después de su Guerra de secesión. Los bailarines, inmigrantes de diversos grupos, se reunirían para competir y para demostrar sus mejores cualidades y movimientos. De esta manera, mientras las danzas se mezclaban, un nuevo estilo de baile nacía: el tap americano. Los bailarines relajaron las posturas rígidas irlandesas, usaron brazos y hombros para marcar y se añadieron nuevos pasos. La improvisación era lo primordial de este baile.

El nombre viene del sonido que hacen las placas pequeñas de metal colocadas en los zapatos del bailarín cuando tocan el piso.

Posteriormente el tap prosperó en los E.E.U.U. a partir de 1900 a 1955, cuando era la danza principal de Vaudeville y de Broadway. Muchos grandes espectáculos incluyeron danzas tap como parte de sus demostraciónes. Durante algún tiempo, cada ciudad en los E.E.U.U. tenía ejecutantes aficionados al tap en la calle. La danza tap fue llamada danza del jazz, porque el jazz era la música utilizada por los bailarines de tap para realizarla. En los años 30, los años 40, y los años 50, los mejores bailarines de tap se movieron desde Vaudeville hacia las películas y la televisión.

Los bailarines de tap hacen el uso frecuente del syncopation. Las coreografías comienzan típicamente en el octavo golpe, o entre la octava y primera cuenta.
Otro aspecto es la improvisación. Esto puede ser hecho con cualquier música y seguir los golpes proporcionados o sin el acompañamiento musical, si no conocidos se baila a capella. Hoofers es de los bailarines de tap, que bailan solamente con sus piernas, haciendo un sonido más ruidoso, puesto a tierra. Esta clase de tap que baila, también llamada “golpecito del ritmo”, se encuentra típicamente en ciudades o áreas pobres. La mayoría de hoofers, tales como Jr. de Sammy Davis, Savion Glover, y Gregory Hines, son bailarines negros.
Los bailarines como Fred Astaire proporcionaron una mirada diferente, del salón de baile para golpear ligeramente los pies al bailar, mientras que Genne Kelly utilizó su gran y extenso entrenamiento de ballet clásico para incorporalo y crear su propio estilo.
Hay una gran variedad de estilos y de técnicas en el tap que bailan diversos bailarines y es por eso, que existen diversas maneras de dar nombre a sus pasos y diversas maneras de enseñar.

• FRED ASTAIRE​​​​​image
Fue un bailarín virtuoso, capaz de transmitir riesgos despreocupadamente o emociones profundas cuando se exigía. Su control técnico y sentido del ritmo fueron asombrosos; según una anécdota, era capaz, cuando era llamado de nuevo al estudio, de rehacer un número de baile que había filmado hacía varias semanas para un número de efectos especiales, de reproducir la rutina con exactitud hasta el último gesto. La ejecución de una rutina de baile de Astaire era de primera por su elegancia, gracia, originalidad y precisión. Él tiró de una variedad de influencias, incluyendo claqué y otros ritmos afroamericanos, baile clásico y el estilo elevado de Vernon e Irene Castle, para crear un estilo de baile único y reconocible que influyó ampliamente el estilo “American Smooth” del baile de salón, y fijó los estándares con los que los posteriores musicales en cine serían juzgados. Coreografió todas sus propias rutinas, normalmente con la ayuda de otros coreógrafos, principalmente Hermes Pan.

• Su perfeccionismo fue legendario así como lo fue su modestia y consideración hacia sus artistas prójimos; sin embargo, su implacable insistencia en ensayos y nuevas tomas fue un carga para algunos. Aunque se veía a sí mismo principalmente como un artista, su consumado arte le supuso la adulación de algunas leyendas del baile del siglo XX como Michael Jackson.

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es popularmente conocido por haber sido un dotado bailarín, así como por sus innovadoras coreografías: tal sería el caso del llamado moonwalk (en español, paso lunar), uno de sus pasos más conocidos; de origen dudoso, fue popularizado por él cuando el 25 de marzo de 1983 lo puso en escena Motown 25: Yesterday, Today, Forever durante la interpretación de “Billie Jean”. Desde entonces el paso lo seguiría acompañando en su carrera y sus presentaciones, llegando al punto de ser reconocido como uno de sus pasos de baile más populares y uno de los más populares en el mundo del baile.

• Otra de sus coreografías famosas se dio a conocer en el vídeo musical Thriller, el cual se convirtió en un vídeo totalmente revolucionario, puesto que era el primer vídeo musical de horror;181 esta particularidad, entre muchas cosas más, lo llevó a ser considerado el mejor vídeo musical de todos los tiempos.
• Fue considerado por Fred Astaire como el mejor bailarín del siglo XX, y recibió la admiración de leyendas del baile como James Brown y el citado Fred Astaire.

“Dalí II” performance y marketing

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El dandi del surrealismo
Muy adecuado el reportaje de RAQUEL

Convirtió su propia vida en una ‘performance’ y su figura, en obra de arte, a base de excentricidades. Controló los medios y exploró la cultura de masas. Puro precursor del marketing.

«¿Sabes la diferencia entre un esnob y un dandi?» Le preguntó un día Dalí a su amigo Oscar Tusquets Blanca. «El esnob es el que se muere por que le inviten a una fiesta y el dandi el que, una vez invitado, hace lo imposible por que le echen». Y él fue expulsado de todas las fiestas: del grupo de artistas de Barcelona, de la Academia de San Fernando en Madrid, de los surrealistas franceses… Dalí tenía alma de dandi. «De ahí nace también su aparente fascinación por Franco. ¿Se podía estar más expulsado de la cultura contemporánea que estando a favor del dictador?».
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La teoría que esboza Tusquets Blanca, el arquitecto catalán que fue su íntimo durante años, resume el genio de Dalí, un artista que se convirtió en obra de arte a sí mismo a base de excentricidades. Puro precursor del marketing. El de Figueras cultivó al personaje desde la infancia. Siempre fue neurótico, delirante, exhibicionista, extremo… Quizás marcado por ese nombre del hermano muerto que le adjudicaron sus padres. Cuenta la leyenda que iba al colegio con un pan en la cabeza y una tortilla en el bolsillo. Pero puede ser parte de esa vida que él mismo se inventó y dejó plasmada en ‘La vida secreta de Salvador Dalí’.


Su vocación de ‘showman’ era innata y su paso por EEUU la hizo definitiva. Tras sus desacuerdos con los surrealistas franceses, a los que impresionó en 1929 y escandalizó después —no congenió con su espíritu idealista y le expulsaron del grupo en el 39— se marchó a hacer las Américas bendecido por el mote de ‘Avida Dollars’ con el que pretendía ofenderle Andre Bretón. Quería evidenciar su obsesión por el dinero, pero Dalí se lo tomó como un cumplido: «En América querer ganar dinero es lo mejor que hay. Voy a triunfar con ese nombre». Llegó por primera vez en 1934 (Picasso le ayudó a pagar el pasaje) y la prensa ya le esperaba en el embarcadero, puro preludio de lo que viviría allí de 1940 a 1948, cuando se convirtió a sí mismo en una de sus ‘performances’. Y la forró de dólares.
«Cuando llega a EEUU redescubre el poder de la masa y empieza a diversificar su obra», cuenta Montse Aguer, comisaria de la muestra del Reina Sofía. Él y sus bigotes se convirtieron en un referente de la sociedad america. Y lo caricaturizó en proyectos como ‘Dali’s Moustache’, una entrevista fotográfica que le hizo su amigo Philippe Halsman en 1954, en el que retrata su bigote al detalle y se plantean cuestiones disparatadas. Incluso publicó un periódico, ‘Dali News’, que sólo hablaba de sí mismo y del que se hicieron dos números, en 1945 y 1947.
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La relación con los medios fue clave para construir su imagen. Dalí supo ver que para llamar la atención sobre su obra tenía que darnos escándalos. Como cuando subió un caballo blanco a su habitación de hotel en París o cuando destrozó el escaparate de los almacenes Bonwit Teller, en Manhattan, porque habían cambiado parte de su diseño: cuando lo vio, montó en cólera, destrozó los elementos alterados y terminó el ‘show’ arrojando contra la vidriera una bañera forrada de astracán que formaba parte de la instalación. Sí, terminó en el calabozo. ¿Se les ocurre mejor campaña para vender al hombre que proclamó ‘El surrealismo soy yo’?

«Provocaba como y cuando quería. Sabía que eso le hacía más conocido y le diferenciaba del resto. El marketing como tal no se estructura hasta los 60, pero él supo ver antes la importancia de ‘las 4 p’: el producto, que en su caso era excelente, el precio, que era deseable y selectivo porque muy pocos se lo podían permitir, la distribución, rodeándose de la alta burguesía que le podía comprar, y la promoción, la publicidad de sí mismo. Supo cómo venderse», cuenta Álvaro Garrido, experto en marketing y profesor en la Escuela de Negocios y Marketing ESIC.
Y es que detrás de esos míticos bigotes había horas de trabajo y un talento arrollador. «Seguía unas rutinas de creación muy exigentes. Luego, a las 18.00 paraba, recibía a la gente y empezaba su personaje público, pero había trabajado mucho antes. Y aunque hubo una época en que el personaje se impuso a la obra, la trascendencia de su trabajo ha demostrado su importancia», añade Montse Aguer. «Lo cierto es que sacrificó muchas menos horas de su vida al personaje de lo que lo hacen los artistas actuales. Dedicaba dos horas al día a la prensa, a las relaciones públicas, no las 24 que muchos dedican ahora. Y cuando estaba en la intimidad descansaba, ni engolaba la voz ni nos vendía nada», añade Tusquets Blanca.
Además de manejar a su antojo a los medios, supo alimentar la cultura de masas, obviando la vertiente más elitista del arte. Dalí hizo publicidad —para los franceses alejados del circuito artístico era ‘el de los chocolates Lavin’ (vea el vídeo del anuncio en esta página)—, trabajó para revistas, hizo escaparatismo, un pabellón para la Feria Mundial de Nueva York del 39, cine, ballet, escribió, diseñó joyas, muebles, corbatas, sombreros… Y creó el concepto de ‘happening’ antes de que existiese, marcando un camino que después seguiría Warhol. «Le gustaba todo tipo de arte excepto la música, que le horrorizaba porque decía que estaba dirigida a los instintos más bajos», dice su amigo Tusquets Blanca.
Y supo adaptarse a cada mercado. En EEUU se hizo un hueco entre la alta sociedad y al regresar a España en 1948 no dudó en alabar a Franco y acercarse a la iglesia. «Vine a España a visitar a los dos caudillos. El primero, Francisco Franco; el segundo, Velázquez», dijo. Y se volvió a casar con Gala por la Iglesia en 1958. Ella tuvo mucho que ver en la creación de este dandi del surrealismo. Tenía pretensiones artísticas cuando se conocieron y era esposa de Paul Éluard, pero lo dejó todo por él y decidió que sería su obra en el mundo.
«Era imposible aburrirse con él. Reclutaba a gente que le parecía curiosa por la calle. O invitaba a gente guapa e interesante a cenar, pero dejaba fuera al ministro de Cultura francés. Y veía el lado positivo de todo, si llovía, ‘bien, nos quedamos en casa’, si estábamos en un atasco, ‘mira qué bonito cómo brillan los coches’…», cuenta el arquitecto. Para el recuerdo quedan leyendas como las TV1 Revelando a Dalí de príncipes y mendigos que organizaba en Nueva York con ricos esnobs y mendigos elegidos por su físico. «Recuerdo que cuando ya estaba enfermo, no se encontraba a gusto y no quería vernos, pero un día nos llamó y nos recibió al fondo de la sala cantando una canción regional eterna, temblando cada vez más por el Parkinson… Cuando terminó nos dijo: ‘Ya os podéis ir, ya habéis visto una película de Buñuel’». Quería ser inmortal y escenas como ésta le ayudaron a conseguirlo.

AUTODEFINICION:

“Perverso polimorfo, rezagado, anarquizante, blando, débil y repulsivo. […]La única diferencia entre un loco y yo es que yo no estoy loco”. Así se definió Salvador Dalí, considerado uno de los máximos representantes del surrealismo. Narcisista y con tendencias megalómanas, con objetivo de atraer la atención pública, Dalí y su obra no dejan indiferente. Hoy se cumplen 107 años de su nacimiento.
Su precocidad fue sorprendente: a los doce años descubrió el impresionismo francés y lo practicó, a los catorce pasó por el cubismo tras conocer el arte de Picasso y a los quince se convirtió en el editor de la revista Studium, donde dibujó brillantes imitaciones para la sección “Los grandes maestros de la Pintura”.

En 1921 sufrió el duro golpe de perder su madre a los 16 años. Años después escribiría de la pérdida de su madre que fue el golpe más fuerte que recibió en vida. Tras su muerte, el padre de Dalí se casó con la hermana de su esposa fallecida.

En 1922 se traslada a Madrid para ingresar en la Academia de Bellas Artes, donde se hace amigo del poeta granadino Federico García Lorca y del futuro cineasta Luis Buñuel. De este último se acabó distanciando irreversiblemente en 1930. En la capital adopta un extravagante atuendo: lleva los cabellos largos, una corbata desproporcionadamente grande y una capa que le arrastra hasta los pies. Otras veces viste una camisa azul cielo, adornada con gemelos de zafiro y se sujeta el pelo con una redecilla, a la vez que lo lustra con barniz para óleo. Su presencia no pasaba para nada desapercibida.

Cuatro años después de su traslado es expulsado antes de sus exámenes finales, por afirmar que no había nadie en la Academia en condiciones de examinarle. Su falta de disciplina y la enfrenta de su padre con la Dictadura de Primo de Rivera, hicieron que posteriormente Dalí pasara una temporada en la cárcel. Entre 1926 y 1927 viaja por primera vez a París, donde conoce a Pablo Picasso, a quien el joven Dalí admiraba profundamente. Pero Picasso ya había oído hablar de Dalí, gracias a los elogios de Joan Miró. Con el paso del tiempo, Dalí se convirtió en una referencia para ambos.

Algunas de las características de las obras de Dalí de aquella época fueron elementos distintivos para su pintura posterior. Absorbía las influencias de muchos estilos: desde el academicismo clásico hasta las vanguardias rompedoras. Desde Rafael hasta Velázquez. De éste se dice que copió el bigote que después se convirtió en uno de sus principales distintivos. Otros afirman que su influencia principal fue Josep Margarit, militar catalán cuyo retrato colgaba de la sala de estar de la casa del artista. Sus obras expuestas en Barcelona ya comenzaron a atraer una gran atención.

En 1928 se instala en París y se une al grupo surrealista que lidera el poeta André Breton, quien terminará expulsándolo años después del movimiento en un enjuiciamiento al que Dalí acudió cubierto con una manta y un termómetro en la boca, convirtiendo el juicio en una ridícula farsa. Poco después rodó con Buñuel “Un Perro Andalúz”.

ESPECTACULAR DOCUMENTAL DE TV1
REVELANDO A DALÍ
http://www.rtve.es/alacarta/videos/la-noche-de/noche-revelando-dali/2338787/

“Dali” el primer escaparatista artista

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De Dalí a Chema Madoz: el escaparatismo en el arte

Transformar un paseo por la ciudad en una visita a un museo no es utopía. Las ciudades se visten con sus escaparates identificando un estilo, una época, certificando la vida urbanita a través de una deliciosa selección a la hora de ubicar productos, de crear escenas. El arte siempre ha sido un fiel compañero del escaparatismo.

Lo demuestra desde hoy el escaparate de Hermés en el Paseo de Gracia de Barcelona diseñado en esta ocasión por el fotógrafo Chema Madoz que transforma los bolsos que representan la marca en bebederos de su otra imagen, los caballos; podrá disfrutarse por los transeúntes hasta mediados de julio porque el escaparatismo es un arte efímero, una instalación. No es la primera vez que el establecimiento en Barcelona de esta firma está creado por artistas, ya lo hicieron Pamen Pereira o el graffitero Kongo (que también diseñó un pañuelo para la marca).

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Escaparate creado por Dalí.
El objetivo es llamar la atención, podría ser puro merchandising que busca distraer a los transeúntes de su rutina, del paso despistado por delante de tiendas privativas para la mayoría, pero muta en una expresión artística más. Para algunos fue el primer contacto con el diseño, una especie de trampolín a la fama. Fue el caso de Andy Warhol que trabajó para tiendas como Tiffany o Bonwit Teller como escaparatista con menos de 20 años. Fue precisamente uno de los escaparates de Bonwit Teller el que destrozó Dalí tras corroborar que la marca había modificado su creación. El artista que había creado una escena compuesta por viejos maniquíes del siglo XIX, recuperados de los almacenes manteniendo el polvo que habían acumulado y su aspecto descuidado, terminó en el calabozo tras destrozar parte de su propia obra.


La importancia de lograr un escaparate atractivo, que se convierta en una pieza propia llena de vida, totalmente digna de admirar aunque desconozcamos el nombre de su creador la conocen mejor que nadie en los almacenes Selfridge (del que ya se ha hecho una serie). Los creadores de la frase ‘el cliente siempre tiene la razón’ ponen especial énfasis en su imagen externa y han usado sus vidrieras no sólo como muestrario de sus productos sino como catálogo de arte. A través de propuestas como Cosas jóvenes brillantes con la que usan sus espacios para mostrar el trabajo artístico de varios jóvenes sin olvidar su esencia, el negocio, ya que venden sus obras en el interior.

En España también el escaparate se olvida en ocasiones de su función comercial y se transforma directamente en galería. Hace varios años que ARCO ha puesto su objetivo en ello vistiendo durante la feria los escaparates de El Corte Inglés de Preciados con obras de varios artistas. En 2013 lo denominó the fifties ya que se cumplían 50 años de las primeras intervenciones artísticas en dicha calle, la diferencia con un expositor normal radica en que estaban comisariadas. Despojando así al escaparate de su principal utilidad, mostrar el producto, han surgido otras propuestas como Escaparartes. Desarrollada por PlanetaCádiz, los escaparates de locales vacantes de Cádiz que no daban buena imagen a la zona comercial de la ciudad se visten con el trabajo de diferentes artistas locales.

Descubrir una pieza artística en un paseo por cualquier ciudad, propia o turística, es una experiencia de máxima satisfacción. Pero en ocasiones se olvida mirar más a nuestro alrededor, dejar caer la mirada en una calle que parece destinada al shopping y detenerse, totalmente sorprendido, ante una imagen que nos evoca el más puro arte es cada vez más común.
http://noktonmagazine.com/dali-chema-madoz-escaparatismo-arte/